O surgimento dos Blackberry Smoke na última década foi algo para aquecer o coração.
Tudo o que aconteceu desde então para eles pareceu uma longa coroação.
“Be Right Here” é o quinto álbum deles desde aquela época, e se encaixa na vibração (ainda) mais country que eles adotaram nos últimos anos.
Como se fosse uma deixa, a abertura “Dig A Hole” é o tipo de música country baseada no blues que eles sempre parecem fazer.
Se quiseres experimentar a alegria por si mesmo e não sabe por que tanto barulho, vai direto para “Hammer And The Nail”. Desde a escolha dos dedos até a brincadeira no bar do Georgia Satellites em 45 segundos, tudo por meio de algumas letras de operários. É a perfeição em menos de três minutos.
No fundo, este é um disco de guitarra. Rock n roll no seu estado mais puro, se quiseres. “Acho que nos inscrevemos para passar a maior parte de nossas vidas, apenas ganhando a vida, mal conseguindo sobreviver”, oferece Starr no brilhante “Like It Was Yesterday” e, ao fazer isso, ele esclarece o que torna isso tão bom . É uma fuga. Não só para nós, mas para eles também – e está tudo no solo de guitarra que o convidado Keith Nelson (ex-Buckcherry) toca.
Com o passar dos anos, porém, eles se tornaram indiscutivelmente os mais habilidosos da banda que toca essa música e também os melhores. “Be So Lucky” tem um órgão adorável de Brandon Still que o complementa perfeitamente, e há bandas americanas em todo o mundo que matariam por “Azalea” linda, acústica e tão quente quanto uma brisa de verão, é a prova de que Blackberry Smoke poderia ter sido qualquer coisa.
Eles estão nisso há duas décadas, então por definição eles são uma banda de clássico rock, mas essa frase parece ter mais ressonância com eles do que a maioria. “Don't Mind If I Do”, por exemplo, é uma daquelas coisas atemporais que tu tens a certeza que já ouviste antes. Além disso, por exaltar as virtudes de aproveitar ao máximo a oportunidade, pode ser o hino deles.
O slide guitar em “Whatchu Know Good” é glorioso, mas é a visão de mundo que te atinge depois de algumas audições. É aquele que permeou a maior parte de seu material. “Eles” podem fazer o que quiserem, essencialmente, “nós” estamos nisso juntos.
E, como todos os seus álbuns, não é tão estridente quanto seus pares e, como tal, “Be Right Here” é cheio de calor. “The Other Side Of Night” – e vamos ser honestos sobre isso – entende sua dívida para com a Allman Brothers, o que torna um dos estrondosos “Little Bit Crazy” ainda mais contrastante.
E o último, “Barefoot Angel” é simples. Apenas uma linda canção de amor,
E nesse ponto, ousamos dizer que eles são apenas homens simples…..? Bem, “I Ain't much just a simple country child” canta Charlie Starr no mencionado “…..Hole” e é mais ou menos isso. São os meninos do interior que conquistaram a cidade grande (não é à toa que as luzes brilham na capa) e não param por aí. “Be Right Here” é o som de uma banda silenciosamente determinada a conquistar o mundo.
1. Dig A Hole
2. Hammer And The Nail
3. Like It Was Yesterday
4. Be So Lucky
5. Azalea
6. Don’t Mind If I Do
7. Whatcha Know Good
8. Other Side of the Light
9. Little Bit Crazy
10. Barefoot Angel
Banda:
Charlie Starr – Lead vocals/Guitar
Paul Jackson – Guitar/B.vox
Richard Turner – Bass/B.vox
Brandon Still – Keyboards
Brit Turner – Drums/Percussion
Benji Shanks – Guitar
Preston Holcomb – Percussion
Rebel é o álbum eletrizante do guitarrista australiano de blues-rock Rob Tognoni. Lançado pela Mig/Indigo, este álbum mostra o talento excecional e a paixão de Tognoni pela música. Com uma mistura única de influências de blues, rock e boogie, Rebel leva os ouvintes a uma emocionante jornada musical.
As habilidades de guitarra de Tognoni estão em plena exibição ao longo do álbum, enquanto ele entrega riffs poderosos e solos emocionantes sem esforço. Seu estilo de tocar distinto combina elementos do blues clássico com um toque moderno, criando um som atemporal e fresco.
As músicas de Rebel são cheias de energia e emoção cruas. Da contundente abertura “Devil in My Hand” à balada comovente “Lost Our Love”, cada faixa conta uma história cativante. Os vocais fortes de Tognoni complementam perfeitamente seu trabalho de guitarra, adicionando uma camada extra de intensidade à música.
Uma faixa de destaque do álbum é “Drowning in Your Eyes”, uma canção assustadoramente bela que mostra a versatilidade de Tognoni como compositor e intérprete. A combinação de letras sinceras e melodias emocionantes tornam esta faixa um verdadeiro destaque.
Rebel também apresenta várias faixas de alta energia que farão teu coração disparar. Músicas como “Rock Me Baby” e “Ride On” com certeza vão dar vontade de aumentar o volume e arrasar.
No geral, Rebel é um álbum impressionante que solidifica o status de Rob Tognoni como um dos guitarristas mais talentosos do género blues-rock. Quer tu sejas um fã de longa data ou novo na sua música, este álbum certamente vai te deixar querendo mais.
01. Rebel And A Gamble (03:37)
02. Eyes Wide Open (03:42)
03. Primeval Baby (Tribal) (02:55)
04. Whisky In The Jar (04:49)
05. Move Along (03:05)
06. Here To Stay (03:34)
07. Little Things (03:43)
08. A Mystery Man (04:25)
09. Orion (04:39)
10. Weed (02:42)
11. Rebel Rebel (03:27)
12. Victim Of Circumstance (04:33)
13. Lands Of Cirrus (Live, Netherlands, 2023) (03:09)
14. Lil' Melody (Live, Netherlands, 2023) (04:08)
15. 2050 (03:22)
16. Assholes And Opinions (05:12)
17. Life (04:04)
AS MÚSICAS QUE ELES NÃO ESCREVERAM
Embora os AC/DC tenham historicamente preenchido todos os álbuns com músicas originais criadas dentro da banda, na maioria das vezes a partir dos pensamentos de Angus e Malcolm Young, com Bon Scott ou, mais tarde, Brian Johnson contribuindo com letras, num ambiente ao vivo, o grupo nunca teve vergonha de lançar uma versão cover de rock estranha.
Este novo CD contém 15 gravações tiradas de eventos ao vivo com o AC/DC quando eles estavam tão inspirados para fazer um cover de uma música de outro compositor. E olhando através da seleção escolhida não é difícil ver onde repousam as raízes musicais dos membros da banda. Com músicas como Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley e Rolling Stones, esses rapazes, sem surpresa, foram informados e influenciados pela música rock que existia antes de existirem como grupo, que posteriormente usaram como catalisador. para suas próprias criações.
Retirado de transmissões de rádio FM ao vivo de todas as épocas da história dos AC/DC, incluindo quando o quase esquecido Dave Evans liderou o grupo, ao longo dos anos com Bon Scott e Brian Johnson na frente, a tentação de pegar emprestado o passado sempre esteve presente.
Também apresentando uma versão bônus de um original dos AC/DC na forma de uma versão ao vivo de seu primeiro single de 1974, 'Can I Sit Next To You Girl', com o já mencionado Mr Evans nos vocais, no que é quase certo a gravação ao vivo da melhor qualidade desta época.
Temas:
01. The Bonnie Banks of Loch Lomond
02. Johnny B. Goode
03. Baby, Please Don't Go
04. Peter Gunn Theme_Jailhouse Rock
05. Messin' With The Kid
06. She's My Baby
07. Superstition
08. School Days
09. Boom Boom
10. Lucille
11. All Right Now
12. Shake, Rattle and Roll
13. No Particular Place To Go
14. Honky Tonk Women
15. Carol
16. Can I Sit Next To You Girl
Joe Bonamassa tem um presente especial para seus fãs nesta temporada de festas. Na sexta-feira (8 de dezembro), ele lançou Merry Christmas, Baby , um álbum de 14 faixas que mistura clássicos natalinos com músicas originais. O reverenciado guitarrista, que abriu para BB King quando tinha 12 anos, reimagina clássicos como “O Holy Night”, “God Rest Ye Merry, Gentlemen” e “Santa Claus is Back in Town” em temas de blues que ficam ao lado de joias menos conhecidas como “Christmas Boogie” e “Christmas Comes But Once a Year”.
Bonamassa também homenageia seu mentor de longa data, King, com “Lonesome Christmas”, do qual King lançou um cover em 2001. O álbum apresenta duas versões de “O Holy Night” e “God Rest Ye Merry Gentlemen”, com Bonamassa oferecendo uma versão orquestral do primeiro e uma versão irlandesa do último. Ele inclui as duas músicas de Dion em que tocou guitarra: “You Know It's Christmas” e “Hello Christmas”, com Amy Grant.
Desde o lançamento de seu álbum de estreia em 2000, Bonamassa teve vários de seus 16 álbuns de estúdio alcançando o primeiro lugar na parada de álbuns de blues da Billboard , incluindo seu álbum de 2023 Blues Deluxe Vol. 2 , que o encontrou fazendo covers de músicas de alguns de seus artistas favoritos de rock e blues, incluindo Fleetwood Mac, Albert King e Bobby Bland. Vol. 2 serve como continuação de seu álbum de 2003, Blues Deluxe, no qual ele fez covers de músicas de King, Buddy Guy e muito mais.
Temas:
1. Merry Christmas, Baby – Alternate Take (NEW TRACK)
2. Christmas Boogie (One Little Kiss)
3. God Rest Ye Merry, Gentlemen – Irish Rendition (NEW TRACK)
4. Lonesome Christmas
5. O Holy Night – Orchestra Rendition (NEW TRACK)
6. Hello Christmas (Dion feat. Amy Grant)
7. Santa Claus Is Back In Town
8. Bring Back My Cadillac
9. Christmas Date Blues
10. God Rest Ye Merry, Gentlemen
11. You Know It’s Christmas (Dion feat. Joe Bonamassa)
12. O Holy Night
13. Christmas Comes But Once A Year
14. Merry Christmas, Baby
A história ensinou aos imprudentes que a única maneira de saber se algo é real é navegá-lo. É um pouco dessa ideia que habita os cinco integrantes dos Whoopie Cat quando partiram para seguir seu destino musical, a bordo de seu primeiro EP homônimo, todas as velas abertas ao vento de um blues maduro, técnico e melódico. Um primeiro barco que não balança e que conduz o quinteto até uma terra onde, com a ajuda do crowdfunding, fizeram a sua casa: o brilhante álbum Illusion Of Choice editado em 2018.
Já não há mais “outro lugar” para o grupo liderado por cantor/guitarrista Dan Smoo. As bases nas quais o seu primeiro disco está ancorado são demasiado sólidas e imponentes para serem apenas um ato passageiro. Armado com o talento de seu povo: a pianista/cantora Jo Eileen e o guitarrista Jesse Juzwin na liderança, Whoopie Cat mais uma vez arenga sua colônia para financiar a exploração das riquezas de seu território. Os fiéis responderam em massa, dois dias foram suficientes para angariar os fundos necessários para lançar os australianos em busca do seu tesouro, a sua segunda obra: Weight In Gold .
A nossa aventura começa ao som dos arpejos medievais do título “Weight In Gold” durante um primeiro minuto ao som dos créditos da nossa peregrinação. Uma introdução que termina com toques epicuristas: o início dos fascinantes contrastes que pontuarão a nossa viagem.
Sentado junto ao fogo, embalado pela tranquilidade mesclada aos acordes e refrões xamânicos de “Yesterday’s Pain”, exploramos toda a superfície contida nas composições dos australianos. Avançamos pelos caminhos íngremes do rock progressivo dos anos 70, abrigados pela amplitude combinada das vozes de Dan Smoo e Jo Eilleen para contemplar, no topo do título “Icarus”, o carisma melódico oferecido pelo solo de guitarra. Às vezes nos lançamos em batalhas épicas ao som do riff matador de “So Below” para uma luta sangrenta e triunfante. Um confronto em grande parte inspirado nos Opeth (período pós-black metal). O selo do grupo de Mikael Åkerfeldt está afixado em grande parte nos títulos contidos neste terceiro álbum dos australianos, como a peça homônima do álbum ("Weight In Gold"), uma verdadeira peça misturada com heavy rock e atmosferas tiradas de o registo fantástico que os suecos tanto adoram.
Encontramos Whoopie Cat no seu estilo original feito de um riff com maior energia no qual estão enxertadas as intenções vocais mais sérias do canto liderado pela dupla Smoo e Eileen em "Happiness Is Prescribed". A presença acrescida da voz da pianista constitui uma verdadeira garantia da qualidade deste disco e dá vida à balada mid-tempo "Fallen". Mais uma vez nos deparamos com essas carismáticas linhas de guitarra que habitam o single "Pretty Baby" onde, não contentes em impor um combo verso/refrão de eficácia quase imparável, o grupo grupo avançará até o final da peça numa queima de fogos de artifício de velocidade majestosa. Com seus talentos, os australianos não precisam cair na arrogante demonstração de seu alcance técnico para fazer brilhar suas composições. É exatamente o contrário que fecha o álbum com “Oh My Love” que permite, por sua vez, expressar a mestria dos seus autores de uma forma alquímica, direta e orgânica.
Weight In Gold é um registo mais direto que o seu antecessor, tomaremos como prova a sua duração: menos de quarenta minutos, quando Illusion Of Choice atingiu o pico com mais de uma hora. Mais acessível, menos complicada, a terceira obra dos australianos nunca vira as costas ao seu antecessor. Encontramos toda a magia técnica demonstrada pelo quinteto australiano, liderado por uma guitarra sempre tão carismática na sua propensão a evoluir com desconcertante facilidade entre momentos guerreiros ou contemplativos.
O tesouro de Whoopie Cat está contido no caminho percorrido. As riquezas revelam-se na escuta introspetiva da sua música. Lançar Weight In Gold significa apropriar-se de uma realidade musical mais grandiosa e dramática do que qualquer aventura imaginária.
01. Weight In Gold
02. Pretty Baby
03. Fallen
04. So Below
05. Icarus
06. Eesterdays Pain
07. Happiness Is Prescribed
08. Oh My Love
Banda:
Dan Smoo - Vocals, Rhythm Guitar
Jesse Juzwin - Lead Guitar, Back Vocals
Josh Brandon - Bass, Back Vocals
Jaksen Juzwin - Drums
Jo Eileen - Keyboard, Back Vocals
Dirty Honey continua a elevar a fasquia tanto para o novo rock como para os artistas independentes. Seu último álbum baseia-se no som produzido no álbum autointitulado completo de 2021 – não deve ser confundido com o EP autointitulado de 2019 – mas demonstra uma abordagem mais refinada nas suas composições. Nem é preciso dizer que Can't Find The Brakes é um disco de rock essencial para 2023.
O álbum abre com a reflexão melódica de “Don't Put Out The Fire”, uma música que, por um breve momento, conecta a banda ao rock alternativo moderno com um som que lembra City And Colour, antes de entrar num irresistivelmente funky suporte. Pensa nos Aerosmith em 1976, só que mais moderno. De muitas maneiras, “Don't Put Out The Fire” dá o tom para Can't Find The Brakes , ao mesmo tempo que significa uma mudança no som da banda à medida que eles continuam a expandir seu alcance dentro da sua vibração rock característica dos anos 70. Se isso te deixa preocupado, a banda apoiou isso com o single inicial do álbum, “Won't Take Me Alive”, um hard rock que faz jus aos seus álbuns anteriores e é excecionalmente mixado e produzido com linhas elétricas e harmonias vocais flutuando sem esforço de alto-falante para alto-falante com uma sensação de sutileza.
Can't Find The Brakes continua com as nove faixas restantes cheias de destaques. “Dirty Mind” é impulsionada por um riff tão desprezível que daria a Slash um motivo para fazer uma pausa, enquanto “Roam” traz um sentido moderno de balada para os vocais de Marc LaBelle se elevarem acima. “Rebel Son” e “Ride On” se aprofundam no blues rock dos anos 70, enquanto “Satisfied” e “Get A Little High” entregam um rock de alta voltagem com ritmos fortes. Do início ao fim, não há um momento de fraqueza em Can't Find The Brakes , tornando-o, sem dúvida, o lançamento mais forte de Dirty Honey até hoje.
O som de Dirty Honey está profundamente enraizado no rock dos anos 70 e, assim como Rival Sons, eles se destacam como uma das bandas de rock clássico mais emocionantes da atualidade, evitando os clichês que parecem datados e impedem que sua originalidade voe alto. Can't Find The Brakes parece um ponto culminante de seu EP e álbum anterior. A banda soa cheia de vida enquanto aprimora suas composições num território ainda mais desenvolvido. No final das contas, Can't Find The Brakes se destaca como seu melhor disco até o momento e deve demonstrar ainda mais que Dirty Honey está entre as bandas de rock mais promissoras e emocionantes de nosso tempo.
Temas:
01. Don't Put Out The Fire
02. Won't Take Me Alive
03. Dirty Mind
04. Roam
05. Get A Little High
06. Coming Home (Ballad Of The Shire)
07. Can't Find The Brakes
08. Satisfied
09. Ride On
10. You Make It All Right
11. Rebel Son
Banda:
Marc LaBelle - Vocals
John Notto - Guitars
Justin Smolian - Bass
Jaydon Bean - Drums
Quando os titãs se combinam, espere terremotos e atividades sísmicas que chamam a atenção, permitem que o coração inche, a mente se expanda e sinta a apreciação de diferentes gerações escavando a causa da arte e que pode ocorrer conforme os deuses aprovam enquanto dançam e abençoam o clima sob um céu alegre .
Reunir Robin Trower e Sari Schorr é uma combinação sugerida nos céus e criada com um senso de beleza implacável aqui na Terra, e o resultado é um álbum que eleva as emoções do Blues a um lugar onde esse desconhecido parece como se sempre seria; o destino, é uma felicidade de poderes baseados na confiança, iniciados na crença e entregues com impulso ressonante.
O novo álbum, Joyful Sky , se desdobra na receção imponente da voz esfumaçada do ícone nova-iorquino, e não há dúvidas de que a vocalista traz uma presença hercúlea à última obra de Robin Trower.
A superestrela da guitarra britânica admite abertamente que foi impulsionada pela dinâmica, e isso só pode ser uma bênção para os fãs que há muito consideram o ex-músico do Procol Harum um dos melhores que já exerceram seu ofício nas Ilhas Britânicas, para reconhecer os vocais crescentes e o comportamento da Sra. Schoor é compreender a profundidade da apreciação que sua alma decreta.
Em faixas como The Distance, Change It, The Circle Is Complete , a ferozmente entregue Flatter To Deceive , o sutil amor pela humanidade em I Will Always Be Your Shelter , e a faixa-título do álbum Joyful Sky , a base do ritmo e experiência de blues na qual ambos os artistas não apenas se destacam, mas são líderes, mas principais chefes nas suas respetivas arenas.
Há mais nesta história, e talvez seja fundada e cultivada no desejo de serem os mágicos, os organizadores rebeldes que erguem o fogo para o céu, mas ao contrário da benevolência mítica de Prometeu, eles são elogiados por trazerem fogo para a alma da humanidade, nunca condenada por isso.
A realidade é que Joyful Sky é um tornado de prazer, é a oferta de compartilhar um poder que não será contido e não será diminuído.
Temas:
01 – Burn
02 – I’ll Be Moving On
03 – The Distance
04 – Peace Of Mind
05 – Change It
06 – Joyful Sky
07 – Need For You
08 – The Circle Is Complete
09 – Flatter To Deceive
10 – I Will Always Be Your Shelter
Poucos meses depois de Rival Sons lançar um novo álbum chamado 'Darkfighter' nas lojas de discos, o sucessor foi lançado. Se tu refletires sobre o título, o novo disco não é mais tão sombrio. 'Lightbringer' é o nome do novo disco e traz seis músicas inéditas.
Antes de entrarmos na qualidade do álbum, é preciso mencionar que pouco mais de 30 minutos de reprodução não é excessivo. A questão permanece: por que eles não lançaram os dois discos juntos como um álbum duplo e permanece o gosto residual de um possível movimento técnico de marketing.
Felizmente, isso não prejudica a música. Assim como ‘Darkfighter’, ‘Lightbringer’ foi criado numa sessão em 2021 e começa com uma música que tem de tudo. É a “faixa título” do álbum anterior, que terminou com ‘Darkside’. A música fica bem tranquila no final e é o início da abertura 'Darkfighter', música que retoma o tema. Assim, uma transição suave é garantida.
‘Darkfighter’ é um épico de oito minutos que retrata muito bem as facetas dos Rival Sons.
Como dito, é um início acústico antes da faixa liberar suas raízes rock após cerca de dois minutos. No entanto, Rival Songs não apenas dá todo o vapor, mas varia habilmente entre passagens pacíficas e fortes explosões de rock. Existem muitos álbuns de rock que não contêm tanta diversão e variedade quanto esta música. Em algumas partes até me lembrei dos Queen, enquanto a maior parte da música é uma jornada emocional entre o blues e o rock.
Em contraste com a abertura, 'Mercy' parece muito simples. É um rock elegante que revela imediatamente a sua excelência, equipado com um refrão que pega de imediato.
Os momentos mais calmos podem ser encontrados em ‘Redemption’. A emocionante música oferece ao cantor Jay Buchanan a oportunidade de mostrar toda a sua classe. Ele consegue criar emoções com sua voz, e não apenas durante essa música.
Continua agitado com 'Sweet Life' antes do cativante 'Before the Fire' parecer um flashback da estreia de mesmo nome.
O álbum termina novamente com grandes emoções através de 'Mosaic', uma música em que todo o espectro emocional se reúne.
'Lightbringer' é um álbum muito bem feito e corresponde às expectativas. Cada uma dessas músicas é um destaque por si só. Rival Sons oferece uma grande variedade e também consegue dar ao álbum um fio condutor. Nada parece artificial ou forçado aqui. Com toda a delicadeza 'Lightbringer' tem uma facilidade que atende muito bem ao álbum.
Temas:
01. Darkfighter
02. Mercy
03. Redemption
04. Sweet Life
05. Before The Fire
06. Mosaic
Banda:
Jay Buchanan - Vocals/Guitar
Scott Holiday - Guitar
Dave Beste - Bass
Mike Miley - Drums
'Midnight Junction', esse é o título do sexto álbum de Eric Sardinas. O guitarrista nascido na Flórida mudou-se para sua terra natal antes de desembarcar na Califórnia em 1990. Nessa época de sua carreira, Sardinas tocava na rua e em pequenos pubs para ganhar a vida.
Conhecido por ótimas músicas e performances selvagens, Sardinas conseguiu chamar a atenção de ninguém menos que Steve Vai, que lhe ofereceu um contrato de gravação. Desde 1999, Sardinas lançou alguns longplayers e com 'Midnight Junction' o próximo golpe está esperando na área inicial.
Para o álbum, o slide guitarist conta com o apoio de Chris Frazier (Whitesnake, Foreigner) na bateria, Koko Powell (Lenny Kravitz, Sheila E) no baixo e David Schulz (The Goo Goo Dolls, Bo Diddley) nas teclas e órgão. Além disso, é Charlie Musselwhite quem contribui com o som da harmónica, completando o tipo de equipa inicial em torno deste álbum.
'Midnight Junction' traz treze músicas e tudo começa com 'Long Shot'. A música já foi revelada como single anteriormente e é uma mistura divertida de blues e rock. Esse tipo de música é cativante e ao mesmo tempo distante do desgastado caminho do convencional.
‘Said and Done’ pode ser o credo de Sardinas. Neste caso, porém, é uma música movimentada que dispara em todos os cilindros.
Uma música que tu não deves perder é a estrondosa 'Swamp Cooler'. Um swing sulista e a harmónica de Musselwhite são as forças motrizes deste instrumental muito bom.
Sardinhas começou na rua e consegue manter o espírito até hoje. 'Lock and Key' é uma música que reflete isso, mas na verdade é o álbum inteiro que transporta um espírito streel tão autêntico, que é o que faz a diferença para muitos outros lançamentos.
Tu podes colocar a agulha onde quiseres e sempre vais receber em troca uma ótima música. Embora às vezes movido por uma melancolia blues, o álbum contém um fator constante de esperança e uma boa vibração.
'Midnight Junction' é um álbum de blues rock que apresenta grande habilidade. Sardinas adora tocar música e parece que fazer um álbum é um bom efeito colateral, mas não a essência da motivação. Com esta abordagem o resultado é uma música honesta que soa real e reflete os altos e baixos da vida. Música realista para pessoas que homenageiam o blues rock estelar com uma abordagem de rua.
Temas:
01. Long Shot (04:53)
02. Tonight (03:08)
03. Said and Done (03:16)
04. Planks of Pine (04:13)
05. Julep (03:47)
06. Swamp Cooler (feat. Charlie Musselwhite) (04:23)
07. Miracle Mile (04:13)
08. Laundromat (04:52)
09. Muddy Water (03:57)
10. Lock and Key (04:59)
11. White Lightnin' (04:33)
12. Liquor Store (02:34)
13. Emilia (04:03)
Banda:
Eric Sardinas - Vocals, Composer, Lyricist, Sitar, Acoustic Guitar, Electric Guitar, Mandolin
Chris Frazier - Percussion, Drums
Koko Powell - Bass Guitar
David Schulz - Hammond Organ, Keyboards
Joe Bonamassa é conhecido por tocar uma mistura eclética de blues e Blues Deluxe Vol. 2 inclui covers de grandes nomes do gênero como Peter Green e Guitar Slim. O álbum já gerou quatro singles – o mais recente, Hope You Realize It (Goodbye Again) é uma das três faixas originais de um total de 10.
Aqueles que preferem seu blues 'choroso' podem ficar um pouco decepcionados - é verdade, o álbum abre com um cover emocionante de Twenty-Four-Hour Blues de Bobby 'Blue' Bland , mas depois se ramifica na direção do rock'n'roll e balanço. I Want To Shout About It tem uma vibração definitiva de 'vamos torcer', antes de Bonamassa relaxar novamente com a sincera Is It Safe To Go Home , escrita pelo produtor do disco Josh Smith e merecedora de cinco estrelas por si só. Blues Deluxe Vol. 2 , que comemora o 20º aniversário do álbum original Blues Deluxe , é uma grande vitrine para os talentos e influências de Joe Bonamassa.
Temas:
1. Twenty-Four Hour Blues (originally performed by Bobby “Blue” Bland)
2. It’s Hard But It’s Fair (originally performed by Bobby Parker)
3. Well, I Done Got Over It (originally performed by Guitar Slim)
4. I Want to Shout About It (originally performed by Ronnie Earle & The Broadcasters)
5. Win-O (originally performed by Pee Wee Crayton)
6. Hope You Realize It (Goodbye Again) (original song written by Joe Bonamassa & Tom Hambridge)
7. Lazy Poker Blues (originally performed by Fleetwood Mac)
8. You Sure Drive A Hard Bargain (originally performed by Albert King)
9. The Truth Hurts (feat. Kirk Fletcher and Josh Smith) (originally performed by Kenny Neal)
10. Is It Safe To Go Home (original song written by Josh Smith)
Banda:
Joe Bonamassa - Vocals, Guitars
Reese Wynans - Keyboards
Calvin Turner - Bass
Lamar Carter - Drums
Kirk Fletcher - Guitars
Josh Smith - Guitars
'Live & Outta Sight 3” traz quinze faixas. Sete do último lançamento de DeWolff em 2023, 'Love, Death & In Between' - gravado na Europa (Amsterdã, Paris, Nijmegen, Utrecht, Barcelona e Madrid) entre janeiro e março de 2023.
O álbum anterior , 'Live & Outta Sight 2' (2019), foi um disco fantástico e eu o considerei um MUST have para os fãs de jams de flower power rock/blues. 'Live & Outta Sight 3' é uma montanha-russa musical repleta de uma mistura de blues, rock, funk, gospel, Southern Rock e rock psicadélico.
Este álbum também traz muitos metais e cantoras de fundo, o que certamente acrescenta outra dimensão à música de DeWolff. Esta extravagância ao vivo começa com a música Southern Rock “ Night Train” e a partir desse momento, tu, como ouvinte, és atraído para a dimensão DeWolff. A continuação ,,Heart Stopping Kinda Show”, também do último álbum, realmente me lembra o bom e velho Black Crowes já que a voz de Pablo tem características/semelhanças óbvias com a garganta de Chris Robinson.
O setlist é realmente incomparável. Repleto de faixas épicas e majestosas e os três músicos dos DeWolff e o resto da banda tocam perfeitamente. Faixas longas, com muita improvisação, como ,,Nothing's Changing” ('Tascam Tapes'), ,,Jacky Go To Sleep” ('Love, Death & In Between') explodem de energia e são realmente um verdadeiro prazer de ouvir.
O destaque absoluto deste incrível e lendário álbum é a música final, que é, claro, “ Rosita”, o auge do álbum anterior, e um verdadeiro pedaço de resistência! ,,Rosita”, dura mais de 23 minutos aqui e é uma jam de rock psicadélico magistral que tu deves ouvir no volume máximo. Um monstro musical tipo flower power com elementos de canções notórias como “With A Little Help From My Friends” (a versão de Joe Cocker que é…) ou “Seeing Things” dos já mencionados Black Crowes.
Preciso dizer mais? Não, 'Live & Outta Sight 3' é novamente um álbum obrigatório para todos que gostam mais do que excelente rock.
Temas:
01. Night Train (Live) (4:53)
02. Heart Stopping Kinda Show (Live) (3:53)
03. R U My Savior (Live) (6:10)
04. Made It To 27 (Live) (5:22)
05. Nothing's Changing (Live) (12:10)
06. Will O' The Wisp (Live) (4:56)
07. Jacky Go To Sleep (Live) (7:28)
08. Gilded (Ruin Of Love) (Live) (4:27)
09. Yes You Do (Live) (5:32)
10. Live Like You (Live) (4:06)
11. Blood Meridian I (Live) (4:00)
12. Blood Meridian II (Live) (3:31)
13. Treasure City Moonchild (Live) (5:52)
14. Message For My Baby (Live) (11:47)
15. Rosita (Live) (23:00)
Ann Wilson , que alcançou a fama com sua banda de rock Heart , estrelada por sua irmã Nancy, tocadora de guitarra, leva seu tempo antes de trazer sua voz torrencial para o primeiro plano no seu mais novo LP solo, Another Door , com sua banda Tripsitter. Com uma batida e guitarra melancólica, quase tribal, o ouvido do ouvinte está sedento por sua voz.
Mas Wilson é uma profissional. Ela não dá tudo na primeira nota ou frase. Não, ela é como seu colega espiritual, Robert Plant , nas suas novas músicas com Alison Krauss. Como Plant, Wilson é sutil, de alguma forma imbuindo estoicismo e sabedoria em cada nota frágil e mágica. É assim que abre a primeira música do projeto, “Tripsitter”.
O novo álbum de Wilson foi lançado na sexta-feira (29 de setembro) e o LP é todo novo material original, a primeira vez que ela escreveu um novo álbum com uma banda desde os anos 1970. A segunda música do disco, “This Is Now”, remete a um estilo de rock 'n' roll que não está muito presente atualmente. Melódico, reflexivo, em camadas.
Para aqueles que dizem que o rock está morto – claro que não está. Mas grande parte desse género hoje é um soco poderoso, um foguete para a lua. Onde estão as melodias sutis, matizadas e até carinhosas? Wilson e sua banda Tripister não esqueceram que a música também pode soar assim .
Mas tudo isso não quer dizer que Wilson e sua banda não sejam capazes de arrasar. Caso em questão: “Rain of Hell”, em que os ouvintes podem ouvir Wilson no auge de suas habilidades, mostrando a voz que conquistou milhões de fãs em músicas dos Heart como “Magic Man” e “Crazy On You”.
À medida que o restante do álbum se desenrola, a sensação de ouvi-lo é como ir a um culto de rock espiritual presidido por Wilson. É como se ela estivesse adornada com algumas vestes ornamentadas, uma grande sombra projetada atrás de um altar. Tu agora estás adorando aos pés dos deuses do rock. E Wilson sabe como canalizá-los tão bem quanto qualquer pessoa.
Temas:
1. Tripsitter
2. This Is Now
3. Rain of Hell
4. Stranger in a Strange Land
5. Waiting for Magic
6. Ruler of the Night
7. Still
8. Rusty Robots
9. What If
10. Little Things
11. Miss One and Only
Banda:
Ann Wilson (vocals)
Sean T. Lane (drums)
Tony Lucido (bass)
Paul Moak (guitars/keyboards)
Ryan Wariner (guitars)
Black Stone Cherry é ‘Screamin’ at the Sky’, começando em 29 de setembro de 2023. O quarteto, é claro, não está literalmente gritando para o céu. É o oitavo álbum de estúdio que ouve 'Screamin' at the Sky', um longplayer que traz 12 músicas inéditas.
As músicas foram escritas durante a turnê e a gravação da banda aconteceu em um local especial. Em junho de 2022, Black Stone Cherry contratou o Plaza Theatre em Glasgow, Kentucky, e assim um sonho se tornou realidade para o grupo de rock. O local é conhecido pela ótima acústica que beneficia o álbum.
Musicalmente, não mudou muita coisa quando se trata da oferta mais recente. Black Stone Cherry ainda gosta de rock mais pesado, que também vem com melodias cativantes e não tem medo de alguns momentos mais calmos.
Com 'Smile, World', um single que foi lançado anteriormente. É um momento rock do álbum que também expressa a necessidade de sorrir de vez em quando. Hoje em dia, a frustração, a raiva e o medo são dominantes, enquanto é ‘Smile, World’ que nos lembra que também nos recostarmos às vezes e colocarmos as coisas num contexto adequado.
A emocionante faixa-título dá início ao álbum e dá o tom de voz para o que está por vir. Black Stone Cherry percorre o álbum com uma abordagem descontraída, que por um lado garante continuidade. Ao mesmo tempo, porém, tem-se a impressão de que a banda trabalha com o travão de mão puxado. Mesmo que as músicas tenham um bom nível de qualidade, o fogo do rock não acende de verdade. O quarteto segue demais as trilhas seguras do padrão e por isso tu procuras surpresas em vão.
Claro, músicas como o elegante 'ROAR' são fáceis de ouvir e ao mesmo tempo não é o tigre que ruge na sua frente. Pelo contrário, é um gatinho ronronando de prazer.
Minhas expectativas em relação a 'Screamin' at the Sky' eram maiores do que as doze músicas proporcionam. As músicas deste álbum certamente atendem aos padrões do rock profissional que garantirão o sucesso comercial, mas ao mesmo tempo não são as mais fortes já entregues pela banda.
Temas:
01 Screamin' At The Sky
02 Nervous
03 When The Pain Comes
04 Out Of Pocket
05 Show Me What It Feels Like
06 R.O.A.R.
07 Smile, World
08 The Mess You Made
09 Who Are You Today?
10 Not Afraid
11 Here's To The Hopeless
12 You Can Have It All
Banda:
Chris Robertson - Vocals/Guitar
Ben Wells - Guitar/Vocals
Steve Jewell Jr. - Bass
John Fred Young - Drums/Vocals
A faixa-título de 'A world Worth Fighting For ' é um apelo às armas para que façamos muito mais para evitar os piores cenários de mudanças climáticas inabaláveis. Lachy comenta: “Com os efeitos das alterações climáticas a tornarem-se mais reais do que nunca, é difícil permanecer optimista sobre o tipo de mundo que estamos a deixar aos nossos filhos.”
Lachy é conhecido por seu domínio do teclado e a faixa apresenta uma coleção de teclados clássicos junto com uma seção de sopros e backing vocals comoventes.
O filho de Jimmy, Jackie Barnes (bateria) e a filha Mahalia Barnes (backing vocals), são acompanhados por Joel Burton no baixo, Ray Cassar no trompete, Anthony Kable no trombone, Matt Kegan (saxofone tenor e barítono) e Jade Macrae, Bec Jensen e Karen Lee Andrews se juntou a Mahalia nos backing vocals.
Lachy é altamente respeitado na indústria e é regularmente referido como o Jimi Hendrix do órgão Hammond. Os artistas querem trabalhar com ele, então não é nenhuma surpresa que ele tenha montado uma formação impressionante para esta gravação.
A World Worth Fighting For tem a marca registrada de Lachy subjacente às influências do blues e do soul, mas também contém elementos de funk.
Temas:
01. A World Worth Fighting For
02. These Words
03. Get Out Your Ear’s Way (met Bootsy Collins)
04. Don’t Beat Yourself Up
05. Gone
06. My Own Medicine
07. Money
08. A World Worth Fighting For [Extended]
Um dos vocalistas mais icônicos do clássico rock, Paul Rodgers, lançou um novo álbum de estúdio. Midnight Rose , seu primeiro álbum solo de músicas inéditas em décadas, chegou em 22 de setembro de 2023, pela Sun Records. O compositor e membro fundador de várias bandas de rock lendárias, principalmente Free e Bad Company, compartilhou a notícia do álbum em 23 de junho, mesmo dia em que lançou seu primeiro single “Living It Up”.
Membro fundador do supergrupo inglês Bad Company, juntamente com o guitarrista Mick Ralphs, o baterista Simon Kirke e o baixista Boz Burrell, Rodgers vendeu cerca de 90 milhões de discos em todo o mundo em sua carreira. Rodgers formou duas outras bandas inglesas lendárias: Free com Kirke, Paul Kossoff e Andy Fraser, e The Firm com Jimmy Page, Chris Slade e Tony Franklin. No entanto, apesar de sua aclamação comercial e elogios de muitas das maiores estrelas do rock, Rodgers tem sido consistentemente ignorado por uma organização proeminente. Nem ele, nem nenhuma de suas bandas, foram incluídos no Rock & Roll Hall of Fame.
Midnight Rose foi produzido por Cynthia Rodgers e Bob Rock, e foi gravado na Roper Recording e The Warehouse nos últimos 18 meses com capas exclusivas do álbum contribuídas por Paul e sua esposa, Cynthia.
A coleção de oito canções com músicas novas e originais foi inteiramente escrita por Rodgers, com exceção de “Living It Up”, coescrita por Rodgers com o baixista de sua banda, Todd Ronning, e o baterista Rick Fedyk. Rodgers descreve isso como “uma homenagem e minha maneira de agradecer à América por toda a música e amor ao longo dos anos”.
Temas:
1 Coming Home
2 Photo Shooter
3 Midnight Rose
4 Living It Up
5 Dance in the Sun
6 Take Love
7 Highway Robber
8 Melting
Ao longo dos anos, Mike Zito e Albert Castiglia estabeleceram-se no mundo do blues rock. Cada artista tem uma longa lista de realizações ao longo de suas carreiras solo. Agora os amigos de longa data uniram forças para seu novo álbum, Blood Brothers . Zito e Castiglia não apenas se uniram, mas também contrataram os serviços de Joe Bonamassa e Josh Smith para produzir o álbum, formando uma equipe de estrelas do blues rock.
Blood Brothers abre com a divertida “Hey Sweet Mama”, que tem um toque retro e foi escrita por Zito. “In My Soul”, segue outra faixa escrita por Zito e é uma das faixas de destaque do álbum. “In My Soul” despoja um pouco as coisas com guitarra acústica na introdução enquanto Zito cuida dos vocais principais. Então as guitarras elétricas entram em ação um pouco mais tarde. Jade Macrae e Dannielle DeAndrea fornecem lindos backing vocals no refrão.
“Tooth and Nail” foi escrita por Tinsley Ellis e caberia perfeitamente num álbum de Tinsley. Os vocais de Albert Castiglia lembram um pouco os de Ellis na faixa. Um sólido blues rocker. Ao ouvir “A Fool Never Learns”, tu definitivamente percebes a influência de Bonamassa e Smith. A seção de metais aqui é elegante e com um toque agradável. Esse é o tipo de faixa que caberia bem em alguns álbuns recentes de Bonamassa. Joe se apresenta em “A Thousand Heartaches”, escrita por Castiglia, que foi lançada como single e mais uma vez realmente se eleva com os backing vocals de Macrae e DeAndrea.
“My Business” foi escrita por John Hiatt e tem um toque de blues pantanoso com Zito e Castiglia compartilhando os vocais e Zito na guitarra slide. “You're Gonna Burn” é um blues lento e poderoso com Castiglia nos vocais. “Bag Me Tag Me” traz de volta o clima retrô de “Hey Sweet Mama” com Castiglia cantando. Zito retoma o comando dos vocais com a faixa de blues “No Good Woman”.
“Hill Country Blues” é a faixa instrumental do álbum com pouco menos de sete músicas escritas por Zito e Josh Smith, com ambos tocando o papel principal. “One Step Ahead of the Blues” encerra com Zito e Casilgia trocando os vocais.
Blood Brothers foi listado como um dos álbuns mais esperados da Blues Rock de 2023 e faz jus a essa promessa. A amizade entre Zito e Castiglia mostra como a química entre os dois é dinâmica. Do início ao fim, Blood Brothers pode ser o melhor trabalho deles até agora.
Temas:
01. Hey Sweet Mama
02. In My Soul
03. Tooth and Nail
04. Fool Never Learns
05. A Thousand Heartaches
06. My Business
07. You’re Gonna Burn
08. Bag Me, Tag Me, Take Me Away
09. No Good Woman
10. Hill Country Jam
11. One Step Ahead of the Blues
Músicos:
Mike Zito - vocals, guitar
Albert Castiglia - vocals, guitar
Doug Byrkit - bass guitar
Matthew Johnson – drums, percussion
Ephraim Lowell - drums, percussion
Lewis Stephens – piano, organ
Convidados:
Joe Smith - guitar
Joe Bonamassa - guitar
Lemar Carter - drums
Calvin Turner - bass
Jimmy Bowland – saxophone
Steve Patrick – trumpet
Mike Haynes – trumpet
Jonathan Saicedo - trombone
Matt Jefferson - trombone
Danielle DeAndrea - backing vocalsJade Macrae - backing vocals
ANA POPOVIC é uma guitarrista e cantora/compositora de blues sérvia que acompanho há algum tempo. Ela começou sua carreira solo no final dos anos 90 e não olhou para trás desde então, pois construiu uma forte reputação de entregar álbuns de alta qualidade e se apresentar para muitas pessoas em várias turnês. Power é seu décimo álbum até agora, e mais uma vez está repleto de um adorável bluesy pop/rock baseado no excelente vocal e guitarra de Ana.
Junto com uma formação de estrelas de músicos americanos de primeira linha, como o baterista Chris Coleman (CHAKA KHAN, STEVIE WONDER, BECK…), Michele Papadia (órgão Hammond, teclas), Brandon 'Showtime' Bland (órgão Hammond), Jeremy Thomas (órgão Hammond, teclas), Joe Foster (guitarra base), Jeff Bates (guitarra base), Claudio Giovagnoli (saxofone), Davide Ghidoni (trompete), Mark Mullins (trombone) e o baixista e cocompositor BUTHEL, aqui nós temos outro álbum sensacional que funde perfeitamente blues, pop e soul em uma direção de rock suave.
O tema de abertura Rise Up! mostra imediatamente que estamos lidando com um lançamento de alta qualidade, o que é sempre o caso de um novo álbum de ANA POPOVIC. A música funky, groovy e soulful bluesy midtempo tem um refrão realmente cativante, excelente trabalho vocal e também um excelente trabalho de guitarra descontraído da própria Ana. Ana é uma música incrível, com uma voz maravilhosa e um ótimo ouvido para melodia, além de tocar guitarra perfeitamente bem. Outros destaques no seu novo álbum são Doin' This (uma mudança de tempo, começando devagar, mas evoluindo para uma peça soul inspirada nos anos 60 com um refrão rápido e cativante e mais uma vez um solo de guitarra crescente), Queen Of The Pack (excelente e cativante uptempo bluesy funky soul pop/rocker), o leve jazz Ride It!, Flocker'n' Flame (excelente rock de blues e groovy) e a faixa de encerramento acelerada Turn My Luck, com sua adorável e cativante batida básica de blues da velha escola.
Temas:
01. Rise Up! [04:44]
02. Power Over Me [03:42]
03. Doin' This [03:38]
04. Luv'n Touch [04:09]
05. Queen Of The Pack [03:28]
06. Strong Taste [03:35]
07. Recipe Is Romance [04:12]
08. Deep Down [03:52]
09. Ride It [03:51]
10. Flicker 'n Flame [02:40]
11. Turn My Luck [02:24]
12. Object Of Obsession [04:01]
13. Train [05:45]
14. If Tomorrow Was Today [04:19]
15. Mo' Better Love [04:35]
16. Johnnie Ray [09:03]
Músicos:
Ana Popovic - Lead Vocals, Guitars
Buthel Burns - Bass, Back Vocals
Chris Coleman - Drums (2-7, 9-11), Percussion (3), Ending Tribal Drums (1)
Jerry Kelley - Drums (1,8), Back Vocals
Michele Papadia - Hammond Organ, Keys (1,2,7-9)
Brandon "Showtime" Bland - Hammond Organ (3,4,6)
Jeremy Thomas - Hammond Organ, Keys (2,5)
Joe Foster - Rhythm Guitar (4,7)
Jeff Bates - Rhythm Guitar (4), String Arrangements (7,11)
Claudio Giovagnoli - Saxophone (2,5,7), Horn Arrangements (7)
Davide Ghidoni - Trumpet (2,5,7), Horn Arrangements (5)
Mark Mullins - Trombone (2,4,7,9), Horn Arrangements (4,7,9)
Brad Walker - Tenor Sax (2,4,7,9)
Bobby Campo - Trumpet (2,4,7,9)
Tasha Parker - Back Vocals (3,4,7,8)
Noel Burns - Back Vocals (3,4,7,8)
Nia Kelley - Back Vocals (1)
Jadell Burns - Additional Arrangements (2)
Luuk Van Meurs - Additional Arrangements (8)
Mike Onesko e sua BLINDSIDE BLUES BAND representam uma continuidade inabalável dentro de seu cosmos de blues pesado e fortemente abrangente. Licks e riffs de guitarra musculados e de pernas largas acompanham o conceito de música do idealizador Mike Onesko há 30 anos. The Axeslinger de Ohio está lançando agora seu 16º álbum com a indestrutível BLINDSIDE BLUES BAND. E assim como em sua estreia na Shrapnel Records em 1993, seu décimo sexto disco é novamente poderoso e em muitos lugares explosivo como uma mochila cheia de dinamite.
A receita experimentada e testada de Onesko de bangers com pavio curto poderia facilmente ser descartada como chata, mas em certos momentos tu precisas exatamente daquele força de demolição para sentir fisicamente o poder do rock'n'roll. Um foguete brilhante como Better Days ou as chicotadas de um tema como Take It Away falam por si. Onesko e seus amigos não fazem prisioneiros. Quando eles soltam o acelerador um pouco no meio ( Da Blues ), o som é cremoso e denso, como se os WHITESNAKE se misturasse com o antigo Robin Trower Trio. Um número instrumental alinhado com guitarra acústica como Message Of The Ring no entanto, parece mais um preenchimento sem significado.
A pólvora do BBB também parece ter molhado um pouco com outras duas ou três músicas. Mesmo as faíscas das guitarras elétricas quentes não ajudam mais. No entanto, um filme brilhante de sete minutos como Love Blind irá ajudá-lo a superar um ou dois ataques de bocejo. Aqui, os meninos percorrem uma selva em um galope louco que Ted Nugent já montou, aumentam o volume para o máximo e empurram o pedal wah wah até a base.
Sim, às vezes é muito divertido e tu agradeces a Deus por tropas tão inabaláveis como os BLINDSIDE BLUES BAND ainda existirem.
Temas:
01. Shine On Through (04:52)
02. Stand Up (04:18)
03. Da Blues (05:30)
04. Take Me Home (04:52)
05. Better Days (04:20)
06. Take It Away (04:27)
07. Message Of The Ring (02:47)
08. Love My Life (04:43)
09. The Long Road (05:44)
10. Love Blind (07:13)
11. Broken Man (05:02)
Banda:
Mike Onesko - Vocal, Guitar
Scotty Johnson - Guitar (01)
Jay Jesse Johnson - Guitar (02,06,08,10)
Eric Kennedy - Bass
Holden Szalek - Drums
Convidados:
Angelica Onesko - Vocals (01,09)
Addie Lee - Guitar (04)
Billy Morris - Guitar (05)
Todd Chainsson - Bass (05)
O show de boas-vindas de Peter Frampton em Londres em 2022 foi lançado como um álbum ao vivo. Peter Frampton no Royal Albert Hall , apresentando músicas favoritas como “Something's Happening” e “Do You Feel Like We Do?” chegou em 1º de setembro de 2023, via UMe.
O concerto fez parte de uma breve digressão europeia que representa os seus primeiros concertos em três anos. A lenda do clássico rock cancelou os shows de 2020 devido à pandemia de Covid-19, do que foi originalmente anunciado como sua última turnê pela Europa e Reino Unido. Frampton completou a edição norte-americana em outubro de 2019 e na época eles foram considerados como sendo suas datas finais. Então, em dezembro de 2019, chegaram notícias de cinco shows em 2020 no Reino Unido, bem como shows em muitos países europeus, embora tenham sido adiados para 2022.
"Boas notícias!! Continuo minha PF Finale Tour por todo o continente”, escreveu Frampton no momento do anúncio de 2022 na Europa e no Reino Unido. “Minha banda e eu estamos ansiosos para tocar e mal podemos esperar para cumprir nossa promessa de tocar para vocês novamente. Obrigado pela sua paciência.
Em 11 de abril de 2023, veio a surpreendente notícia de que Frampton retornaria com sua turnê “Never Say Never”.
“No final de cada show da Finale Tour eu dizia ‘Never Say Never’ e estou sempre cheio de esperança pelo impossível”, disse Frampton no anúncio da turnê de 2023. “Estou muito satisfeito em informar que estou me sentindo forte e meus dedos ainda percorrem o braço da guitarra. Cada nota que toco agora tem mais significado e alma. Adoro tocar ao vivo e esse lutador quer ficar no ringue o máximo que puder. Estou muito feliz por poder ver todos vocês mais uma vez neste verão.” Uma nova etapa começa em novembro.
Temas:
1. Somethin’s Happening
2. Lying
3. Lines on My Face
4. Show Me the Way
5. Georgia on My Mind
6. All I Want to Be (Is By Your Side)
7. (I’il Give You) Money
8. Baby, I Love Your Way
9. Do You Feel Like We Do
Banda:
Peter Frampton – vocals, guitars
Adam Lester – guitars
Steve Mackey – bass
Rob Arthur – Hammond, piano
Dan Wojciechowski – drums, percussion
Highway 61 é uma banda de blues-rock 'n' roll de Los Angeles cujo álbum de estreia foi gravado 30 anos depois que a banda se separou. E bastou uma pandemia mundial, um surto quase fatal de leucemia e a morte de seu mentor para que isso acontecesse...
No verão de 2022, o quarteto se reuniu pela primeira vez em décadas no Kitten Robot Studios em Los Angeles com o produtor Paul Roessler (The Screamers, 45 Grave, Nina Hagen) para fazer Driving South, que mistura doses de The Rolling Stones e Tom Petty com pitadas de The Black Crowes e Stevie Ray Vaughan.
A banda rasgou o álbum inteiro em algumas semanas, finalmente rastreando as favoritas dos fãs como "Baby Whered You Stay Last Night" e "Supernatural Monkey Child", ao lado da nova música "Black Magic". Driving South também saúda o mentor dos Highway 61, Alan Mirikitani, também conhecido como mestre da guitarra de blues BB Chung King, que infelizmente faleceu em 2015.
"Walk on Water" e "Breath Away" apresentam solos inéditos que Mirikitani gravou com a banda em 1992. Numa reunião incrivelmente emocionante, "Walk on Water" também apresenta a filha de Mirikitani, Alana Mirikitani, nos backing vocals, juntando-se aos dois artistas num álbum pela primeira vez.
Temas:
01. Walk On Water 03:27
02. Bad Day 03:39
03. Baby Where’d You Stay Last Night? 04:05
04. Black Magic 04:47
05. Midnight Train 03:58
06. Breath Away 03:28
07. Stranger 04:43
08. Downtown Girl 04:34
09. Supernatural Monkey Child 05:07
10. Breathe 04:25
Banda:
Frank Meyer - Vocals, Guitars
Andy Medway - Guitars
Russell Loeffler - Bass
Mike Knutson - Drums
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quarta-feira, fevereiro 28, 2024
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